il blog del portale Tracce Di Jazz.
il jazz da Armstrong a Zorn. notizie, recensioni, personaggi, immagini, suoni e video
di Roberto Dell'Ava


Mary Halvorson e Leo Smith dominano il Critics Poll

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Come scrivevo lo scorso anno nella stessa occasione, i risultati del Critics Poll sono forieri di divertimento per i lettori. Sarebbe interessante, ad esempio, stabilire i criteri con i quali si definisce un musicista Rising Star. Considerare "stella nascente" il ventottenne Kris Bowers può essere corretto, me nel caso della settantenne Kali Z. Fasteau le cose si complicano un pò.....Per il resto direi che non ci sono grosse sorprese, solo la constatazione che l'asse dei gusti americani si sta spostando finalmente un pò più avanti....

Trumpeter Wadada Leo Smith and guitarist Mary Halvorson are among the artists who topped multiple categories in the 65th Annual DownBeat International Critics Poll.

Smith topped the Trumpet category, he was voted Jazz Artist of the Year, and his Cuneiform release America’s National Parks was voted Jazz Album of the Year.

“Decades into his remarkable career, Wadada Leo Smith continues to reach new peaks,” said Bobby Reed, DownBeat editor. “America’s National Parks is an engaging, important work of art—one that illustrates not only that Wadada is a great musician but also an intriguing, ambitious conceptualist.”

Halvorson topped four categories: Guitar, Rising Star–Jazz Artist, Rising Star–Jazz Group (for her namesake trio) and Rising Star–Composer. Halvorson, who has become an in-demand collaborator as well as a revered bandleader, will headline a residency at New York’s Village Vanguard on July 18–23.

Other artists with multiple wins in the poll include Christian McBride, who topped the categories Bass and Rising Star–Producer, and Charles Lloyd, who won for Tenor Saxophone and Jazz Group (for Charles Lloyd & The Marvels). Maria Schneider takes home honors in three categories: Composer, Arranger and Big Band (for the Maria Schneider Orchestra).

The Historical Album winner is the Bill Evans two-disc set Some Other Time: The Lost Session From The Black Forest (Resonance), which was recorded in 1968. The Blues Album winner is David Bromberg Band, The Blues, The Whole Blues And Nothing But The Blues, released by Red House Records.

There was a rare tie in the category Rising Star–Female Vocalist, with Jen Shyu and Becca Stevens receiving the same number of votes.

Trumpeter and world-music pioneer Don Cherry (1936–’95) was elected into the DownBeat Hall of Fame via the Critics Poll, and the DownBeat Veterans Committee voted to induct three artists: pianist Herbie Nichols (1919–’63), composer George Gershwin (1898–1937) and pianist Eubie Blake (1887–1983).

Other winners in the poll include Anat Cohen (Clarinet), Steve Turre (Trombone), Jane Ira Bloom (Soprano Saxophone), Kenny Barron (Piano), Nicole Mitchell (Flute), Matana Roberts (Rising Star–Alto Saxophone), Thundercat (Rising Star–Electric Bass), Sara Caswell (Rising Star–Violin) and Cecilia Smith (Rising Star–Vibraphone).

The August issue of DownBeat has features on numerous Critics Poll winners, along with the complete results for each category, listing more than 1,200 artists who received votes. DB

The complete list of winners is below:


Hall of Fame: Don Cherry, Herbie Nichols, George Gershwin and Eubie Blake 
Jazz Artist: Wadada Leo Smith 
Jazz Album: Wadada Leo Smith, America’s National Parks (Cuneiform)
Historical Album: Bill Evans, Some Other Time: The Lost Session From The Black Forest (Resonance)
Jazz Group: Charles Lloyd & The Marvels 
Big Band: Maria Schneider Orchestra 
Trumpet: Wadada Leo Smith 
Trombone: Steve Turre 
Soprano Saxophone: Jane Ira Bloom 
Alto Saxophone: Rudresh Mahanthappa 
Tenor Saxophone: Charles Lloyd 
Baritone Saxophone: Gary Smulyan
Clarinet: Anat Cohen
Flute: Nicole Mitchell
Piano: Kenny Barron 
Keyboard: Robert Glasper 
Organ: Joey DeFrancesco 
Guitar: Mary Halvorson 
Bass: Christian McBride
Electric Bass: Stanley Clarke 
Violin: Regina Carter
Drums: Jack DeJohnette 
Percussion: Hamid Drake 
Vibraphone: Stefon Harris 
Miscellaneous Instrument: Béla Fleck (banjo)
Female Vocalist: Cécile McLorin Salvant 
Male Vocalist: Gregory Porter
Composer: Maria Schneider 
Arranger: Maria Schneider 
Record Label: ECM
Producer: Manfred Eicher
Blues Artist or Group: Buddy Guy
Blues Album: David Bromberg Band, The Blues, The Whole Blues And Nothing But The Blues (Red House Records)
Beyond Artist or Group: Leonard Cohen 
Beyond Album: Allen Toussaint, American Tunes (Nonesuch)


Rising Star–Jazz Artist: Mary Halvorson 
Rising Star–Jazz Group: Mary Halvorson Trio 
Rising Star–Big Band: Michael Formanek Ensemble Kolossus 
Rising Star–Trumpet: Taylor Ho Bynum 
Rising Star–Trombone: Marshall Gilkes 
Rising Star–Soprano Saxophone: Christine Jensen 
Rising Star–Alto Saxophone: Matana Roberts 
Rising Star–Tenor Saxophone: Noah Preminger 
Rising Star–Baritone Saxophone: Dave Rempis 
Rising Star–Clarinet: Oscar Noriega 
Rising Star–Flute: Kali. Z. Fasteau 
Rising Star–Piano: Kris Davis 
Rising Star–Keyboard: Kris Bowers 
Rising Star–Organ: Wil Blades 
Rising Star–Guitar: Gilad Hekselman 
Rising Star–Bass: Eric Revis 
Rising Star–Electric Bass: Thundercat 
Rising Star–Violin: Sara Caswell 
Rising Star–Drums: Jeff Ballard 
Rising Star–Percussion: Sunny Jain 
Rising Star–Vibraphone: Cecilia Smith 
Rising Star–Miscellaneous Instrument: Akua Dixon (cello) 
Rising Star–Female Vocalist (tie): Jen Shyu and Becca Stevens 
Rising Star–Male Vocalist: John Boutté 
Rising Star–Composer: Mary Halvorson 
Rising Star–Arranger: Esperanza Spalding 
Rising Star–Producer: Christian McBride 

Fonte: DownBeat Magazine


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I am totally blindsided and devastated by the death of Geri Allen. She was one of my greatest musical heroes; I've been obsessed with and influenced directly by her music for 30 years, like many other pianists in my generation and younger (particularly Craig TabornJason MoranEthan IversonCourtney Bryan, and I daresay Orrin Evans & Kris Davis).

In the late 80s I was in awe of her originality. She brought a spare, elemental quality to her playing, conjuring elements of Ellington, Monk, Andrew Hill, and Herbie Nichols, and subsequently didn't choose to channel the prevailing mainstream sound, which was more reminiscent of either Herbie Hancock or McCoy Tyner. (I totally copped as much of her sonic identity as I could.)

Her improvisations in that period were full of space, thought, and listening, as well as a certain liberatory quality; her groove was deep, her contrapuntal independence often shocking; her lines and voicings were fresh and unique, and she could really throw down. Back then I loved the trio with Haden & Motian-- and I still do -- but what really got me were Ralph Peterson Jrs "Triangular" & "Volition" or her own "Twylight" with Tani Tabbal & Jaribu Shahid or her first record, "The Printmakers," with Andrew Cyrille& Anthony Cox

Best of all was her majestic early solo album, Home Grown-- a complete classic. I remember when Jason Moran wanted to borrow my copy and I said I didn't let out of my house. Finally I relented and loaned it to him for just one hour! He ran home, ripped it onto his drive, and brought it back to me.

In the 90s some people heard her work as heading more mainstream, but i just heard it as a trajectory of continued study and focus; she never lost her old ways, as was abundantly clear in her revelatory late 90s stint with Ornette Coleman (see the two Sound Museum albums). She studied and assimilated the musical languages of Hank Jones, Mary Lou Williams, McCoy Tyner, Bud Powell, Cecil Taylor, Alice Coltrane, and so many more.

In recent years Geri had taken a more direct role in my life, as a kind and generous colleague and caring friend. I was repeatedly touched to find that she had sought to include me on events, symposia, concerts, and conversations. We had a couple of chances to work together - once at the Stone in trio with Graham Haynes and another time in telematic multi-site performance with Jason. She would even drive me home every now and then from wherever we ran into each other, and she gave me her old red Rogers drum set, which I still have.

Geri was a powerful innovator in modern music and a visionary pianist. She was also a scholar and historian of African American music, a community organizer, an institution builder, a feminist, a deeply committed and big-hearted educator, and a quietly determined leader. As a musician she was a conduit for spiritual truths and healing energies.

This is a tremendous loss for all of us, and we will strive to uphold & honor her legacy.

Much love to all.


Vijay Iyer

dalla pagina Facebook


Il degrado del giardino

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Una targa scoperta l’8 maggio e un giardino che, dopo più di un mese, è già nel degrado. L’area,  che si trova davanti al comprensorio del Santa Maria della Pietà, è stata dedicata a Massimo Urbani - famoso jazzista di Monte Mario scomparso nel 1993 - il giorno del suo sessantesimo compleanno. Adesso basta poco per osservare le condizioni di questo spazio verde: l’erba è alta, la sporcizia regna ovunque, i secchi sono stracolmi di rifiuti e c’è anche un piccione morto. 

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Il 24 giugno era la ricorrenza della scomparsa di Massimo. Sono passati 24 anni e, a quanto pare, la sua figura continua ad essere ricordata solo dagli amici e dagli appassionati. Lascio volentieri le beghe politiche, sempre più demotivanti, per ricordare invece la figura di Urbani con un articolo di Pino Corrias del 26 agosto 2003 comparso sulle pagine del Corriere della Sera:

Conosceva le vertigini della musica, giocava con la vita, se la lasciò scappare. Massimo Urbani avrebbe potuto essere il più grande jazzista italiano. Disse una volta: «Tutta la mia esistenza, comprese le ragazze, è collegata alla musica». E poi: «La droga ha distrutto un po' la mia vita. Combino parecchi guai, ma ho dato un sacco d' amore a tutti i musicisti». Come il suo divino Charlie Parker, come il suo maestro John Coltrane, come il suo amico Chet Baker, il sax alto Massimo Urbani - spettinato, massiccio, sudato, tecnica strepitosa, cuore sentimentale, cresciuto in maniche corte e giubbotto dentro alla polvere di periferia romana - se n' è andato di corsa, a 36 anni, il tempo di un assolo struggente, un po' di vita in levare, un amore, un figlio che non avrebbe mai conosciuto, una manciata di dischi memorabili.

Se l' è portato via (nella notte tra il 23 e il 24 giugno 1993) un' iniezione di eroina tagliata male, nel cesso di casa, alla fine di una giornata alcolica e veloce. Sulla sua avventura, sulla sua vita interrotta, una delle cose più belle l' ha detta Paolo Fresu, trombettista di perfezione zen: «Massimo è rimasto un tesoro nascosto. Era un musicista istintivo, di pancia. E tutta la sua vita era così: intera, immediata, senza progetto». La sua musica gli è sopravvissuta. Dice il pianista Luigi Bonafede: «Come John Coltrane, Massimo aveva un suono materno, universale... Il più bel suono di contralto esistente». In questi dieci anni, la nostalgia per il suo addio è cresciuta come una malattia. La Palma, tempio romano del jazz, gli ha dedicato un concerto e così pure il Conservatorio di Santa Cecilia.

 In suo nome è nata una associazione di musicisti, portavoce il sassofonista Mauro Verrone, che fu il suo migliore allievo e amico: «Lui per me era il sole». La Red Record sta ristampando i suoi dischi ormai introvabili. E Stampa Alternativa ha rimandato in libreria il testo di Carola De Scipio L' avanguardia è nei sentimenti: vita, morte e musica di Massimo Urbani raccontate da musicisti e amici. Massimo poteva suonare una notte intera e poteva dimenticare di mettersi le calze in pieno inverno. Poteva dormire sulle panchine del Central Park e riempirsi le tasche di immaginette sacre che gli regalava la nonna. Massimo aveva orrore dei buchi e per l' iniezione chiedeva sempre a qualcuno. Massimo viaggiava ovunque per suonare, ma pensava che piazza della Guadalupa, quartiere Monte Mario, fosse il posto più bello del mondo. Massimo guadagnava e non aveva mai una lira in tasca. Massimo poteva scendere in un club, innamorarsi, pagare da bere a tutti, iniziare l' assolo di Night in Tunisia direttamente dal bancone del bar, stregare il pubblico, ubriacarsi e finire sul palco a dormire. Massimo poteva suonare con Jackie McLean a Parigi e due sere dopo, a Roma, presentarsi al bar degli spacciatori, estrarre il sax e dire: «Se vi faccio un blues, quanta roba mi date?».

 Massimo era un uomo buono, anche disarmante e amava il blues che è drammatico quanto la vita. A differenza di molti jazzisti, Massimo Urbani veniva da una famiglia proletaria. Era nato ai bordi del quartiere Monte Mario, anno 1957, padre infermiere, madre morta giovane. Scuola interrotta a 12 anni. Autodidatta: dita e fiato allenati per dieci ore al giorno su un clarino comprato usato. Racconta il fratello Maurizio: «Da piccolo impazziva per la Roma, la bossanova, il jazz e Jimi Hendrix». A 14 anni è già un fenomeno. Racconta il pianista Puccio Sboto: «Era prima di un concerto. Stavo seduto al pianoforte a provare. Era un pezzo di Gillespie, Woody' in You. A un certo punto, dietro di me, ho sentito Charlie Parker in persona che improvvisava. Mi volto e vedo un ragazzino cicciottello accovacciato sulla pedana che suonava questo contralto come un demonio. Gli chiedo: e tu chi sei? Mi dice: sono Massimo Urbani. Chi ti ha insegnato a suonare bebop? E lui: non sto suonando bebop, sto suonando Charlie Parker».

Nel 1971 lo ascolta Giorgio Gaslini, uno dei grandi del jazz italiano, e lo prende come uditore nei suoi corsi al Conservatorio di Santa Cecilia: «Massimo possedeva un sax scassato e non aveva il soprano che gli ho comprato io. Non leggeva bene la musica, ma imparò: aveva una musicalità spaventosa. Un giornale scrisse: "Il più grande sassofonista europeo ha sedici anni"». Gaslini lo inserisce nel suo gruppo. Urbani debutta nei club, compreso il Blue Note, incontra Max Roach, Keith Jarrett, Red Rodney. Impara una decina di parole inglesi che gli contaminano il romanesco: «Aho, man, m' ha messo er feeling. Vienime dietro...». Suona al Capolinea di Milano, al Music Inn di Roma. Lascia Gaslini. Entra negli Area di Demetrio Stratos. Conosce Enrico Rava, trombettista, che gli fa un contratto per la tournée del suo quartetto, destinazione New York, anno 1975.

Racconta Mauro Verrone: «Perse l' aereo per New York. Arrivò il giorno dopo da solo. In volo aveva paura e si ubriacò. Fece lo scemo con le hostess. Rava lo ripescò nel commissariato del J. F. Kennedy». Racconta Fresu: «Finimmo nella stessa stanza d' albergo. Lui di notte russava e io mettevo i tappi per dormire. Una sera, completamente nudo, andò in corridoio per prendersi una Coca-Cola dalla macchinetta. Rimase chiuso fuori, cominciò a battere la porta. Vennero quelli della sicurezza, lo prelevarono nudo e lui continuava a ripetere: "Ehi, man, io Alto Sax, Alto Sax...". Quando rientrò in camera non faceva altro che ridere».

Con Rava e dopo Rava vennero i grandi festival come Umbria Jazz e Montreux. Vennero le tournée in Europa. Gli anni Ottanta furono una scala di successi, precipizi, risalite, esecuzioni memorabili. Suonò con tutti i grandi del nuovo jazz italiano: il pianista Enrico Pieranunzi, il bassista Furio Di Castri, il batterista Roberto Gatto, il flautista Nicola Stilo. Racconta Mauro Verrone: «La cosa più bella accadde al Teatro Olimpico, omaggio a Charlie Parker. Primo set di americani, con Sonny Rollins, Franky Abrahm, Dizzie Gillespie. Poi toccò a Rava e Fresu. Poi a Massimo che suonò 8 battute di Round Midnight... E si fermò il teatro, si fermò il tempo».

     Nella vita vera il tempo lo consumò, come accadde a un' altra meteora del jazz italiano, il solitario Luca Flores, pianista, morto suicida (anno 1994), che Walter Veltroni ha raccontato in un libro di intensità e anima, pubblicato recentemente da Rizzoli. Urbani e Flores suonarono insieme parecchie volte. E insieme incisero il disco (forse) più bello di Massimo: Easy to Love (Red Record, 1987). Poi viene il tramonto: alcol e eroina di strada tutti i giorni. Concerti cancellati, appuntamenti saltati. Dice Verrone: «Spariva, si presentava nei club strafatto. Poi chiedeva scusa, piangeva. Ma nessuno si fidava più di lui». Era un adolescente rimasto senza madre, dicono. Un genio troppo fragile. Un debole con troppa sensibilità e tormenti e timidezza.

 Incontrò Valentina. Si innamorò. Lei rimase incinta. Lui diceva in giro: «Adesso che divento padre, mi ripulisco». Ci provò un paio di volte. Svenne ai bordi della vasca da bagno. In quella casa, dove anche Chet Baker aveva dormito e suonato, bivaccavano decine di persone, ma quella notte non c' era nessuno. Lo trovò il fratello Maurizio che pensava fosse ubriaco e per svegliarlo gli tirò una secchiata d' acqua. Poi capì. Erano senza telefono, perché nessuno aveva pagato la bolletta: «Presi la Vespa per andare alla cabina. Venne l' ambulanza un' ora dopo». Massimo respirava ancora. Poi smise. Suo figlio, Massimo junior, nacque tre mesi dopo.   

Corrias Pino

Pagina 33
(26 agosto 2003) - Corriere della Sera


La stagione calda

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Siamo entrati nella stagione calda dei festival jazz. In tutta la penisola c'è un fiorire di programmazioni, dal piccolo borgo alla grande rassegna internazionale è un susseguirsi di proposte. Leggendo i programmi è però facile fare una constatazione: a parte le lodevoli eccezioni, che comunque rappresentano la minoranza dei festival, nei cartelloni si può trovare di tutto e di più: dal cantante al gruppo rock, le musiche più diverse affastellate con sprezzo della logica e spesso del semplice buon gusto. Quando poi i nomi sono effettivamente quelli di musicisti jazz è fin troppo semplice notare come si vada a riproporre il consueto, l'abusato, il "sicuro". Insomma, è più facile vedere la mano delle agenzie e degli assessori preoccupati del botteghino, rispetto ad un filo narrante, una proposta fuori dal coro, una ricerca di nuovi talenti o perlomeno di nomi meno battuti.

Qualche anno fa AllAboutJazz Italia fece una domanda a venti musicisti italiani. Riprendo due risposte, ma anche tutte le altre andrebbero bene, per evidenziare come la situazione sia stagnante e lascio ad ognuno trarre le facili e dovute conclusioni.


Scegli il direttore artistico di un importante festival italiano . È seduto di fronte a te, lo puoi guardare negli occhi e fargli - educatamente - una domanda

Pasquale Mirra: Mi rivolgo a tutti: quando organizzate la programmazione vi documentate realmente sulla musica degli artisti o preferite affidarvi ai nomi che già conoscete e circolano? Quanto la vostra scelta dipende dai nuovi ascolti che fate? 

Fabrizio Puglisi: Sinceramente non ho niente da chiedere a nessuno, conosco le logiche. Protezioni politiche e qualche assessore che ti chiede di riempire un teatro. Se il teatro è di un migliaio di posti io non ci suono con i miei progetti (nel senso che non lo riempio col mio nome). Ci suono al limite con progetti in cui non sono leader (che va bene lo stesso, alla fine). Insegnando in conservatorio, pur nel solito precariato, mi posso permettere di partecipare a cose che mi piacciono, non suono con chiunque e non per snobismo, ma per onestà. 



Come distinguere successo da flop

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Sempre nei giorni scorsi è passata quasi sotto silenzio un’altra notizietta. L’assessore alla Cultura Leon ha annunciato una novità per Narrazioni Jazz, la rassegna nata quest’anno sulle ceneri del Torino Jazz Festival: ma tutta un’altra cosa, sia ben chiaro! Innovativa. Una caratteristica distintiva di tale nuovissima manifestazione era di essere contemporanea al Salone del Libro, da cui il nome che richiama un’esperienza non solo musicale, ma anche letteraria. Una trovata davvero originale. Tuttavia, dice l’assessore, la prossima edizione non sarà più contemporanea al Salone del Libro. Presumo perché nei giorni del Salone del Libro pochi si sono accorti dell’esistenza di Narrazioni Jazz.  


 Come fare a distinguere un festival jazz riuscito da un flop più o meno annunciato ? Semplice, basta non dare troppo peso ai mirabolanti comunicati stampa che descrivono sorti meravigliose e progressive e augurarsi che ci sia almeno un blogger a raccontare la verità.
Si, perchè la verità non ve la racconteranno ne i media ne i magazine specialistici: i primi per incompetenza e i secondi per non inimicarsi nessuno. Poi, a distanza di tempo, quasi in sordina ecco il comunicato che annuncia la novità, e cioè di fatto l'ammissione dell'insuccesso.
Grazie a Gabriele Ferraris per averci raccontato tutto questo con mesi di anticipo.
Percorsodiv » a
razie a Gabriele Ferraris per averci raccontato tutto quesGto con mesi di anticipo. 

La buona musica ed il pubblico che non c'è

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Agli inizi di questo mese il pianista americano Fred Hersch aveva in programma tre concerti al Sunnyside, uno dei migliori club parigini dedicati alla musica jazz. Ebbene, per mancanza di prenotazioni sufficienti, la terza serata è stata annullata. Considerando che la sala ha una capienza di 200 posti e che, indiscutibilmente, Parigi è la capitale europea del jazz, è lecito porsi alcune domande, sopratutto tenendo in considerazione la notevole caratura del musicista.

E' quanto fa l'autore de Blog de Choc, sicuramente il miglior blog francese dedicato alla nostra musica. Potete leggere l'articolo qui:


Il jazz va al museo

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Hiromi, Foto D'Agostino

La Galleria Nazionale dell’Umbria di Perugia, scrigno di una delle collezioni d’arte antica più importanti d’Italia, torna ad aprire le proprie sale alla musica, attraverso la collaborazione con Umbria Jazz e Trasimeno Music Festival.

Si parte il 30 giugno 2017 con Immaginare la musica, un viaggio nel mondo della musica in 85 immagini, a colori e in bianco e nero, scattate da Luca d’Agostino e Luciano Rossetti, tra i maggiori interpreti della fotografia di musica e spettacolo in Italia.

La mostra, in programma fino al 27 agosto, organizzata in collaborazione con il Trasimeno Music Festival e Umbria Jazz, ruota attorno all’esecuzione musicale dal vivo e agli istanti che la precedono o la seguono immediatamente, dalle prove al montaggio del palco, dall’incontro con il pubblico ai momenti di raccoglimento, di divertimento, di studio.

Come scrive il curatore della mostra, Claudio Chianura, “Raramente l’occhio fotografico di Rossetti e d’Agostino – pur nelle implicite differenze individuali – vuole semplicemente riprendere il musicista in concerto. Anzi, è chiara l’intenzione di muoversi oltre, di assumere una prospettiva imprevista e quanto più ricca possibile. Al punto che ogni immagine, in definitiva, mette davvero in condizione chi guarda di immaginare la musica. E il gioco, la sfida, è tanto più stimolante se le musiche rappresentate sono molte e diversissime, com’è il caso delle fotografie qui selezionate che spaziano dal jazz alla classica, dal reggae alla canzone d’autore, dal rock alla sperimentazione colta”.

Tra i protagonisti degli scatti troviamo infatti un campionario assai diversificato che tocca estremi come Arvo Pärt e Lucio Dalla, passando attraverso Uto Ughi e Bruno Canino, Michel Petrucciani, Vinicio Capossela, Sting, Yuja Wang, Patti Smith, Stefano Bollani con Antonello Salis, Markus Stockhausen, Paolo Conte.

Il jazz va al museo, progetto elaborato per il museo da Umbria Jazz, proporrà inoltre una serie di nove concerti - in programma tutti i giorni a mezzogiorno, da sabato 8 a domenica 16 luglio - nella sala Podiani della Galleria Nazionale dell’Umbria, uno degli spazi più prestigiosi ed evocativi della città.

Grazie all’accordo stipulato tra la Galleria e i due festival, tutti gli appassionati di musica che si presenteranno alla Galleria Nazionale dell’Umbria con il biglietto di qualsiasi concerto del Trasimeno Music Festival (dal 24 giugno al 10 luglio) e di Umbria Jazz 2017 (dal 1° al 23 luglio) potranno visitare le collezioni del museo e la mostra pagando il solo ingresso ridotto (€ 4,00).

Eric McPherson, Foto Rossetti

Jazz funeral

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Nonostante l’ultima edizione abbia chiuso con un bilancio molto positivo, la trentaseiesima si era distinta soprattutto per un pubblico particolarmente numeroso, quest’anno il Clusone Jazz Festival non ci sarà. E purtroppo potrebbero essere arrivati definitivamente anche i titoli di coda per una manifestazione di qualità che ha portato il nome di Clusone nel mondo contribuendo ad alimentare l’immagine baradella

Già da tempo le difficoltà erano nell’aria ma purtroppo hanno avuto il sopravvento. Costi crescenti, mancato ricambio generazionale, burocrazia, problematiche logistiche e insufficiente sostegno pubblico e privato (si sono assottigliati i contributi e non poche attività “amiche” negli ultimi anni hanno chiuso) hanno portato i soci a sciogliere l’associazione mettendola in liquidazione. Lo scorso aprile la decisione ha preso l’ufficialità davanti a un notaio.

Il primo Festival è stato organizzato nel 1980, l’associazione si è costituita nel 1982, negli anni in cui a Clusone era sindaco Sergio Balduzzi. Un gruppo di amici, amanti di questo genere, musicale ha dato il via a una manifestazione che ha portato sul palco di Clusone ben 2567 musicisti. Nel 1988 tre di questi costituirono nella storica Bimhuis di Amsterdam il “Clusone Trio”, formazione che ha suonato per 10 anni in tutto il mondo. Il sassofonista e clarinettista Michael Moore, il violoncellista Ernst Reijseger e il batterista e percussionista Han Bennink hanno preso strade diverse dopo la serata di chiusura della diciottesima edizione del Festival nel 1998. Il trio si è ricostituito per una sola speciale occasione nella venticinquesima edizione del Clusone Jazz Festival nel 2005. Clusone Jazz è stato anche tra i soci fondatori dell’Europe Jazz Network. Agli albori la sede era in piazza Orologio, dove si sono tenuti diversi concerti, poi sono stati presi in affitto dal Comune gli spazi in piazza Sant’Anna, diventata cornice di numerosi spettacoli. Altri vanti del Clusone Jazz Festival sono i numerosi cd registrati e gli articoli pubblicati, pure all’estero. Anche Rai Radio 3 ha dedicato spazio ai concerti baradelli.

La trentaseiesima edizione si era chiusa con un ringraziamento al pubblico che già aveva il sapore di un commiato. Tuttavia si sperava in un colpo di reni che potesse dare continuità al Festival, eventualità che purtroppo non si è presentata. Ora l’associazione si è sciolta. Le edizioni, tutte di alta qualità, hanno lasciato un’eredità di registrazioni, documenti e un nome che la manifestazione si è creata nei decenni nel settore. Per venire a suonare a Clusone sembra che tra gli artisti, anche blasonati, ci sia ancora voglia.

Clusone Jazz mi ha accompagnato per tutti questi anni, pochissime le edizioni che ho perso e sempre per motivi indipendenti dalla mia volontà, e la sua chiusura non può che riempirmi di amarezza. Todo cambia, come cantava Mercedes Sosa, e bisogna accettare il logoramento e la fine di una esperienza che nei momenti fulgidi è stata una delle migliori e non solo in Italia (lo diceva anche Hamid Drake nella penultima edizione in un accalorato intervento a favore della continuazione del festival)